L’opera Whatever Brings You Happiness è un bus Man Lion’s City diesel free di ATB trasformato in installazione mobile.

Whatever brings you happiness

L’opera Whatever Brings You Happiness è un bus Man Lion’s City diesel free di ATB trasformato in installazione mobile. Il mezzo è interamente colorato di rosa carico, colore molto amato dal designer Peter Fink, che nel 2014 aveva trasformato Piazza Vecchia di Bergamo con questo tono di fucsia per la manifestazione Maestri del Paesaggio. I due lati dell’autobus sono decorati con i motivi geometrici che campeggiano anche sul logo di Christmas Design. Il bus, che continuerà a prestare servizio anche in questa versione artistica, girando per le strade di Bergamo, in servizio su tutte le linee urbane a rotazione, strapperà molti sorrisi di gioia ai passanti, non soltanto per i suoi colori vibranti: sul retro campeggia ironico il sorriso contagioso dello stesso Fink che rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente indossando l’iconica parrucca rossa dell’artista giapponese. Abbiamo chiesto all’artista di raccontarci cosa rappresenta la sua opera: «Qualsiasi cosa ti porti felicità», ha risposto, alludendo proprio al titolo dell’installazione. Ciascuno, dunque, troverà la risposta dentro di sé.

Designer

Artisti

L’opera racconta gli occhi di Santa Lucia e la loro simbologia attraverso una metamorfosi che si completa in tre sculture in neon. 

La prima si riferisce al piatto che la Santa tiene in mano nella iconografia tradizionale, su cui posano i suoi occhi; questa fa riferimento al dettaglio di un’opera realizzata da uno scultore attivo nella Fabbrica del Duomo di Milano nel 1570, in cui il piatto sembra una maschera. La prima scultura de La Metamorfosi di Santa Lucia, in posizione verticale, è realizzata in neon bilaterale in tre colori: il perimetro del volto è bianco, le palpebre sono rosa e le pupille azzurre; alta 185 cm e larga 150 cm, rappresenta la prima fase della trasformazione.

La seconda, ripropone un dettaglio dalla rappresentazione di Santa Lucia nel Polittico Griffoni (1472) di Francesco del Cossa ed Ercole de Roberti, dove la Santa tiene fra le dita i propri occhi, trasmutati in boccioli che spuntano da uno stelo. Di 175 cm di altezza e 160 cm di ampiezza massima, questa seconda scultura rappresenta la metamorfosi vera e propria, rimarcata dalla sua centralità totemica.

La terza scultura riproduce in neon una frase estrapolata da una preghiera popolare alla Santa, “Conserva la luce dei miei occhi”, come monito e invocazione. 

Artista

LA METAMORFOSI DI SANTA LUCIA

Designer? 
Designer e azienda committente coincidono: Dugongo.

Location scelta? 
The Gate, in Piazza Matteotti.

Cosa vedranno i visitatori? 
Si tratta di una video installazione proiettata all’interno del portale The Gate. Il progetto vuole comunicare l’importanza della coesistenza tra culture attraverso una varietà di elementi grafici, ciascuno dei quali rappresenta le diverse sfaccettature di culture, religioni e vissuti che convivono pacificamente nello stesso spazio. Questi elementi sono presentati in modi differenti e ripetuti per sottolineare la mutevolezza della realtà e la necessità di ricordare costantemente l'importanza della coesistenza. La ripetizione evidenzia come le diversità siano soggette alle stesse dinamiche di convivenza armoniosa e come, insieme, possano valorizzarsi a vicenda e dar vita ad un arricchimento reciproco.



Cosa rappresenta? 
Sconfinati Passaggi esplora il tema della coesistenza pacifica tra culture e valori diversi. È una visione futuristica, un’utopia che speriamo possa diventare realtà. In questo contesto, vediamo l'Intelligenza Artificiale come una forza rappresentativa di questo concetto. Nonostante il dibattito etico in corso nel mondo riguardo all'AI, intendiamo trasformare questa controversia in una manifestazione di creatività. L'AI sarà utilizzata come mezzo per connettere, comprenderci e abbattere le barriere culturali. Ci auguriamo che il nostro progetto possa contribuire a plasmare un futuro in cui la diversità sia celebrata e la coesistenza tra culture diventi una realtà concreta.

In cosa Sconfinati Paesaggi  rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente? 
Alcune animazioni richiamano i visual dell’artista giapponese.

Quale messaggio vuole trasmettere? 
Sconfinati Paesaggi sottolinea la necessità di rispetto per le differenze, senza alcuna forma di fusione o omologazione. Siamo tutti abitanti dello stesso pianeta, destinati a condividere lo stesso habitat e convivere in armonia.

Come è nata l'ispirazione? 
Purtroppo, il momento storico di divisioni che stiamo vivendo rende attuale richiamare i valori della pacifica convivenza.

Come dialogano Sconfinati Paesaggi e The Gate? 
Il The Gate rappresenta un passaggio, un varco tra realtà differenti, un wormhole che simboleggia anche un passaggio dimensionale tra culture.

Sconfinati Passaggi è una videoinstallazione che veicola il messaggio della coesistenza tra culture diverse all'interno di uno spazio comune, sottolineando la necessità del rispetto per le differenze, senza alcuna forma di fusione o omologazione. Siamo tutti abitanti dello stesso pianeta, destinati a condividere e convivere in armonia. Sconfinati Passaggi rappresenta un passaggio, un varco tra realtà e culture. La varietà di elementi grafici allude alle diverse sfaccettature dell’umanità con le sue culture che convivono pacificamente. Questi elementi sono presentati in modi differenti e ripetuti per sottolineare la mutevolezza della realtà, ricordando che tutte le diversità sono soggette alle stesse dinamiche di convivenza armoniosa. Per i designer di Dugongo, autori della videoinstallazione, l'Intelligenza Artificiale può veicolare la forza rappresentativa di questo concetto e in questo caso è un mezzo per connettere i popoli e abbattere le barriere culturali.

Sconfinati Passaggi, video installazione voluta e ideata dai designer di Dugongo, è proiettata presso The Gate, in Piazza Matteotti.

Sconfinati Passaggi

Location scelta? 
Piazza Matteotti, Bergamo

Fiammetta è la riproduzione ingrandita in scala monumentale di una candela. Il cilindro e il lume della candela sono stati realizzati assemblando dei corpi luminosi di uso sia industriale sia domestico, quali luci di sicurezza, di segnalazione, lampeggianti e tubi al neon, amplificati da uno specchio d’acqua inserito nel perimetro del dehors. L’acqua funziona come un dispositivo ambientale che definisce lo spazio d’azione del lavoro, integrato all’interno del luogo esistente. 

Riflettendo sul senso delle festività e del dono, Santo Tolone ha voluto innescare un rapporto di reciprocità tra opera e pubblico. “Mi è sembrato naturale impiegare dei corpi luminosi della vita reale dei corpi luminosi della vita reale - come lampeggianti, luci segnaletiche stroboscopiche, neon - per la realizzazione dell’opera”, 

dichiara l’artista. “Fiammetta è la rappresentazione di una candela, soggetto fortemente simbolico molto presente nelle nostre festività. I corpi luminosi utilizzati per la realizzazione dell’opera conservano ognuno il proprio comportamento originario, creando una molteplicità di impulsi, colori e ritmi. Un collage di corpi luminosi di diversi momenti e situazioni racconta un altrove, che si può solo immaginare… l’apertura lenta di un cancello, il transito di un trattore in un campo… che si presenta nella mente del passante, come un riverbero nella memoria e si propaga attraverso l’esperienza dell’opera andando oltre il carattere transitorio dell’intervento”.

Cosa lega la mission de La Pasqualina al lavoro di Santo Tolone?

“Nel processo di ideazione dell’opera, penso di esser stato influenzato da un metodo che ho potuto vedere di persona dietro le quinte della produzione de La Pasqualina”, dice Tolone. “La schiettezza nell’utilizzo e nella valorizzazione di materie prime semplici, ma di qualità. La combinazione sapiente degli ingredienti senza snaturarli, una propria idea di tradizione. Un mix che insieme alla passione e alla storia della famiglia ne definisce l’identità”.

In cosa l’opera rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente?

Come nell’opera protagonista di Yayoi Kusama. Infinito Presente, anche in Fiammetta l’acqua viene riversata fino a riempire il perimetro del dehors, trasformando lo spazio in una superficie specchiante che modifica la percezione e l’esperienza di quel luogo. In modo simile al mistero di un incantesimo, l’acqua duplica la realtà del luogo specchiandolo, e allo stesso tempo nascondendo sé stessa. Un mistero e una dote di cui l’acqua è custode da tempo immemore… In essa risiede anche l’enigma irrisolto da cui è iniziata l'avventura della vita, dai nostri antenati ominidi, fino all'uomo che alza gli occhi al cielo, divenuto bipede per l'ansia di scrutarlo, di guardare verso la luce. In ogni pozza, in ogni fontana urbana, in ogni pozzanghera dopo la pioggia, l'incanto e il mistero prosegue, come nel mito di Narciso. Non perdiamolo.

Quale messaggio vogliono trasmettere azienda e designer con questa installazione?

Condividere e comunicare un messaggio di auguri attraverso l’arte.

“L’idea è nata di notte mentre ero a letto, guardando il riverbero ipnotico del lampeggiante di un antifurto vicino”, dice Santo Tolone.

Come dialoga Fiammetta con Piazza Matteotti?

L’opera è stata concepita per inserirsi discretamente nel contesto urbano di Piazza Matteotti, per l’ampio dehors della pasticceria La Pasqualina, tra il monumento a Lorenzo Mascheroni e ai F.lli Calvi. Lo spazio pubblico indicato e la celebrazione delle festività natalizie hanno indirizzato la riflessione verso un’opera accessibile a tutti, immediata, ma anche ludica. L’opera d’arte è finalizzata all’integrazione nell’ambiente esistente per produrre uno spazio unificato e armonioso di completezza e coesione.

Fiammetta è la riproduzione ingrandita in scala monumentale di una candela, oggetto fortemente simbolico che qui assume proporzioni stupefacenti, di cm 300h x 210 x 100 cm.

Fiammetta

Fiammetta è la riproduzione ingrandita in scala monumentale di una candela, oggetto fortemente simbolico che qui assume proporzioni stupefacenti, di cm 300h x 210 x 100 cm. Il cilindro e il lume della candela sono stati realizzati assemblando dei corpi luminosi di uso sia industriale sia domestico, quali lampade di sicurezza, di segnalazione, lampeggianti e tubi al neon, amplificati da uno specchio d’acqua inserito nel perimetro del dehors. L’acqua funziona come un dispositivo ambientale che definisce lo spazio d’azione del lavoro, integrato all’interno del luogo esistente. 

L’opera, realizzata per Christmas Design 2023 da Santo Tolone grazie al contributo di La Pasqualina, è esposta in Piazza Matteotti, a Bergamo Bassa.

Partner Tecnico

Luca Schieppati e Mutti Marmi

Secondo una ricerca pubblicata dalla rivista “Global Change Biology”, nel 2020 solo il 48% della superficie mondiale è stata mappata come area interessata da una bassa influenza umana. 

Questo significa che oltre la metà della superficie terrestre è contaminata dalla nostra attività. “Unfold the earth, unfold your heart” vuole ricordarci quanto abbiamo eroso il Pianeta e ci mostra la parte di mondo non ancora occupata dalle nostre attività, da curare e salvaguardare. Il monito è chiaro: ci dobbiamo porre l’obbiettivo di fermare la cementificazione, ridurre le emissioni di gas climalteranti e ripristinare le foreste. È necessario invertire la tendenza per liberare la Terra dall’inquinamento e farla tornare a respirare. Se il Pianeta respira, allora respiriamo tutti. Unfold the earth, unfold your heart è rappresentata da una sfera in cemento armato e marmo riciclato di 170 centimetri di diametro; il cemento armato rappresenta il lato “oscuro” della terra, l’innaturale, la cementificazione e l’inquinamento generati da un’attività umana non responsabile. È l’area del Pianeta da recuperare. Visivamente, la parte in cemento stride, è fastidiosa e scatena nell’osservatore il desiderio di rompere questo guscio per liberare il mosaico, il marmo, liscio, colorato ed armonico, al fine di riscoprire la bellezza e la purezza dell’ambiente incontaminato.

Realizzatore

UNFOLD THE EARTH, UNFOLD YOUR HEART

Ricercatrice e designer

Sei colonne luminose di luce calda ripropongono in chiave minimale l’architettura dei due propilei della facciata. La ripetizione di un segno comune ai due edifici apre una parentesi storica sulla loro comunicazione. Un QR code dorato può essere inquadrato sulla facciata illuminata dell’hotel per accedere a una narrazione di questa storia. 

L'installazione luminosa valorizzerà la facciata esterna attraverso l'uso di filari di luci bianco caldo che, posizionate verticalmente tra le finestre, creeranno un effetto ordinato e armonioso. Le luci, selezionate appositamente per il loro tono caldo, accentueranno l’eleganza della facciata con l’intento di non risultare eccessive o invadenti, con l’idea di offrire un’esperienza visiva semplice ma suggestiva, in linea con il tema festivo. Il design luminoso rappresenta una porta temporale su uno spaccato storico cittadino. Il disegno di luce, insieme a un QR code che lo accompagna, è il segnale per accedere a una realtà storica e immaginifica insieme. La storia dell’albergo e il simbolo del cappello d’oro sono gli elementi chiave della narrazione proposta.

Artista e ricercatrice

Falling Lights

Location scelta? 
Largo Rezzara a Bergamo.


Com’è fatta l’opera? 
You for Christmas è un’opera inclusiva a 360 gradi che proietta lo spettatore all’interno della scena della Adorazione del Bambino (1524), tavola dipinta da Bernardino Luini (1485-1532) e conservata presso l’Accademia Carrara, celebrando appieno il Natale, l’evento della nascita e il valore della famiglia. 


Qual è il messaggio di You for Christmas? 
Da un lato, You for Christmas propone un’immagine tradizionale della Natività, dall’altro diffonde un messaggio di inclusione moderno, perché il pubblico che si rapporta con l’opera diventa anch’esso protagonista della scena, in una Natività allargata. L’installazione nasce per interagire espressamente con chi la osserva, vuole far entrare l’osservatore all’interno della sacra famiglia, sottolineando la sacralità dell’essere umano. “Tu sei il nostro Natale e tu fai parte del Natale”, questo è il messaggio di grande inclusione veicolato dall’artista e da Fra.Mar. Gesù nasce al centro di una piazza importante di Bergamo e decide di farci riflettere su come ci poniamo rispetto alla natività come credenti ma, anche, come cittadini.


In cosa l’installazione rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente? 
La riproduzione dell’opera di Bernardino Luini, utilizzata su concessione della Fondazione Accademia Carrara di Bergamo, sarà applicata a un grande specchio, che rifletterà le luci della piazza, creando un incredibile dinamismo luminoso. Alcuni elementi dell’opera richiamano gli infiniti pois dell’artista giapponese, in cui gli spettatori potranno riconoscersi.


La nuova sede di Fra.Mar a Pedrengo è unica nel concept e nel design, grazie al coinvolgimento e agli interventi dell’artista Steven Cavagna, che ha realizzato una serie di opere capaci di interpretare in chiave contemporanea i messaggi e la storia di un’azienda familiare storica. 
La scelta di intraprendere questo cammino artistico, nel dicembre 2022, è stata determinante per Fra.Mar, che ama raccontarsi ogni giorno ai suoi visitatori attraverso opere identitarie e narrative dense di parole, luci, materie e colori. Nella piazza del Natale, Fra.Mar vuole continuare a far interloquire questi elementi: messaggio religioso, arte e impresa.


Perché Fra.Mar ha voluto quest’opera? 
Fra.Mar è un’azienda che conta oltre 1.000 dipendenti, provenienti da 52 nazioni ed è stata la prima impresa in Italia a ottenere la certificazione Gender Equality, con un impiego femminile pari all'86%. L’impegno costante nella costruzione di un ambiente di lavoro inclusivo e rispettoso è certamente stato fonte di ispirazione per immaginare un’opera che celebrasse il Natale, Bergamo e la Fra.Mar, che fonda i suoi principi nella cultura cristiana. L’ispirazione nasce dalle radici storiche di Fra.Mar, che è sempre stata impegnata nella valorizzazione della famiglia e che continua il suo lavoro basandosi proprio su questi principi nei rapporti con tutti i player aziendali: dipendenti, fornitori, territorio e istituzioni. 


Come dialoga You for Christmas con Largo Rezzara? 
L’opera porta fuori dalla Chiesa ciò che si ritroverà all’interno. Nell’occasione del Natale la famiglia torna fuori, a contatto con tutti. Lo specchio, inoltre, riflette il paesaggio e i protagonisti della piazza, integrandosi così nel contesto e amplificandolo in tutte le sue sfaccettature.

You for Christmas è un’opera interattiva che include lo spettatore all’interno della scena dell’Adorazione del Bambino (1524), in una riproduzione della tavola dipinta da Bernardino Luini (1485-1532) e conservata presso l’Accademia Carrara.

You for Christmas

You for Christmas è un’opera interattiva che include lo spettatore all’interno della scena dell’Adorazione del Bambino (1524), in una riproduzione della tavola dipinta da Bernardino Luini (1485-1532) e conservata presso l’Accademia Carrara. Da un lato, You for Christmas propone un’immagine tradizionale della Natività, dall’altro, diffonde un messaggio di inclusione moderno, perché il pubblico che si rapporta con l’opera diventa anch’esso protagonista della scena, in una Natività allargata. L’immagine della Natività sarà applicata a un grande specchio, che rifletterà le luci della piazza, creando un incredibile dinamismo luminoso.

You for Christmas, concepita da Steven Cavagna per Christmas Design 2023, è stata realizzata grazie al contributo di Fra.Mar per essere esposta in Largo Rezzara a Bergamo.

Lucia Nusiner

Il Bosco di Natale è un'area dedicata alle famiglie e ai bambini che vogliono incontrare Babbo Natale. Qui il Natale dedicato ai più piccoli è sinonimo di tradizione, gioia, magia, speranza, attesa, lucine d’atmosfera e ricordi d'infanzia che anche gli adulti si portano sempre nel cuore. I visitatori camminano su cippato naturale che profuma di legno e amplifica l’effetto bosco, insieme a graminacee alte che trasformano la visita in un’esperienza immersiva. La casetta di Babbo Natale è circondata da un boschetto di betulle, abeti e noccioli, popolato da sagome a forma di renna. Tra le altre sorprese del bosco fatato, le sfere, i grandi funghi e i manufatti in salici intrecciati da Davide Gotti, fino al grande albero di Natale sponsorizzato da ATB. Il bosco è rappresentato come un giardino chiuso da uno steccato per delineare i contorni di uno spazio dall’atmosfera magica, diverso da tutto il mondo fuori: una stanza verde che racconta una favola, trasformando piazza Vittorio Veneto nel bosco dei sogni. I bambini, entrando, capiscono che stanno per esplorare un luogo dedicato alla fantasia e all’immaginazione. Il Bosco di Natale trasforma il cuore della città che viviamo tutti i giorni - un luogo della quotidianità - in una meta della fantasia.

Bosco di Natale

Designer? 
AMDL CIRCLE - Arch. Angelo Micheli e Arch. Banafsheh Razavi


Azienda committente? 
Studio BNC e Bergamo+ 


Come si presenta Cielo Colorato? 
L’opera, realizzata in assito di legno, si articola in elementi lineari di diversa lunghezza e altezza, posizionati a formare un cerchio aperto, al cui centro è collocata una vasca di legno che accoglie nel mezzo un braciere per il fuoco. Gli elementi lineari sono lunghe sedute dove poter sostare, le cui parti laterali di chiusura sono colorate con diversi cromie. L’”alveo” di legno per il braciere ha al suo centro una seconda vasca in ferro colorata di azzurro acqua.


Cosa rappresenta l’opera? 
Un cammino interiore, ma anche un percorso di crescita. L’installazione rappresenta una serie di argini, percorrendo i quali l’umanità può raggiungere il luogo ideale in cui sedersi per ammirare l’universo e osservare senza intralci la profondità del cielo. Raggiunto l’apice degli argini, l’uomo sarà con se stesso e comprenderà che il futuro è il suo dialogare con gli altri esseri viventi presenti sulla terra. La fiamma è il fulcro dell’incontro; quando tutti saranno seduti attorno ad essa osservando i piccolissimi lapilli sprigionati dalla sua forza, vedranno il cielo colorarsi di sorrisi.


Cosa lega Studio BNC e Bergamo+ ad AMDL CIRCLE? 
La passione per l’arte è stato il punto d’incontro e l’arte è il tramite per i designer per trovare altra ispirazione per progetti in ulteriori ambiti.


Come questa installazione rende omaggio a Yayoi Kusama, Infinito Presente?
L’evanescenza della fiamma che si alza senza timore verso il cielo è un omaggio all’opera di Yayoi Kuzama.


Quale messaggio vuole trasmettere l’opera? 
L’opera deve trasmettere all’essere umano la consapevolezza del bisogno di essere gli uni accanto agli altri, dialogare con se stessi e la forza della natura. Il fuoco al centro è l’anima dell’uomo che si fonde con l’anima della natura, scatenando quella bellezza che è l’universo del pensiero.


Com’è nata l’ispirazione? 
L’umanità nella sua complessità è l’ispirazione dell’opera e proprio ad essa è dedicata.


Come dialoga l’opera con il luogo scelto, Via Mazzini? 

Per AMDL CIRCLE un’opera deve essere progettata per poter essere installata ovunque, un’opera deve dialogare con qualsiasi luogo e essere uno strumento per sorprendere le persone che in qualsiasi momento si troveranno a osservarla.

Cielo Colorato

I passanti si troveranno di fronte ad una serie di argini, percorrendo i quali l’umanità può raggiungere il luogo ideale in cui sedersi e poter ammirare l’universo, osservando senza intralci la profondità del cielo. Raggiunto l’apice degli argini, l’uomo sarà con se stesso e comprenderà che il futuro è il suo dialogare con gli altri esseri viventi presenti sulla terra. La fiamma è il fulcro dell’incontro, tutti saranno seduti attorno ad essa e osservando i piccolissimi lapilli sprigionati dalla sua forza, vedranno il cielo colorarsi di sorrisi.


L’opera, realizzata in assito di legno, si articola in elementi lineari di diversa lunghezza e altezza, posizionati a formare un cerchio aperto, al cui centro è collocata una vasca di legno che accoglie nel mezzo un braciere per il fuoco. Gli elementi lineari sono lunghe sedute dove poter sostare, le cui parti laterali di chiusura sono colorate con diversi cromie. La vasca di legno per il braciere ha al suo centro una seconda vasca in ferro colorata di azzurro acqua.

Designer e artista

L’installazione è un’opera costituita da tre grandi sculture dalle forme organiche in dialogo, corpi luminosi con segni di pittura informali. 

È un’opera interattiva e può essere toccata dai visitatori che si avvicinano e sono invitati ad entrare nell’installazione. I grandi moduli - che si intersecano come futuristici grattacieli - sono ispirati alle forme moderne del design nordico, decontestualizzate dalle dinamiche in continua evoluzione della società. Il risultato è un bosco di luce astratto, un luogo simbolico dove gli accadimenti si manifestano ciclicamente in modo costante. Invita il pubblico a immergersi in paesaggi mistici e spazi di meditazione, dove il tempo sembra sospeso e la materia diventa veicolo di emozioni profonde. Nel concepire quest’opera, Massimo Castagna e Manuel Bonfanti hanno trovato piena sinergia con il design thinking di Zenucchi Design Code, perché anche in questo caso siamo sul piano della forma progettata per essere vissuta. La luce interiore che i visitatori “accendono” dentro di sé entrando nell’opera e quella della scultura stessa sono viste come energia di trasformazione delle forme e dei simboli del Natale. 

L’estetica in continua evoluzione dell’opera progettata da Massimo Castagna - che verrà dipinta durante la manifestazione attraverso diverse performance live dall’artista Manuel Bonfanti - dona un messaggio positivo al Natale. La forma nuova di In The Middle Of Now-Where, Metamorfosi e la sua luce dialogano con un luogo storico del centro città, mettendosi in relazione con il teatro Donizetti e con la vegetazione circostante.

Main Partner nella realizzazione: Italian Floor Design, Barrisol. Special thanks: Dun-Que, Alghisi Stefano Impianti Elettrici, Carrara Matteo.


Arista

IN THE MIDDLE OF NOW-WHERE, METAMORFOSI

Azienda committente?  
Bonaldi – Gruppo Eurocar Italia


Location scelta? 
Piazza della Repubblica


Come si presenta Inner Resonance? 
È uno specchio di luce, un grande cerchio di led di 4 metri di diametro che crea un universo luminoso e colorato, da osservare e in cui, al tempo stesso, osservarsi. Grazie alla presenza di una telecamera, infatti, lo spettatore potrà visualizzare il proprio riflesso nello specchio di led, attivando un dialogo interattivo con l’opera.


Cosa rappresenta Inner Resonance? 
È un’opera di MiDi Motori Digitali che ragiona sul tema dello specchio e del riflesso. Il riflesso che l’opera presenta è consapevolmente veicolato da una tecnologia che non vuole riprodurre un’immagine precisa, ma che, al contrario, propone una rappresentazione più grezza, ma non per questo meno fedele. L’opera mette in relazione l’individuo con sé stesso, ingigantendo e amplificando ciò che si trova davanti, come volti e figure, permettendo dunque al pubblico di riconoscersi e di accettare di appartenersi anche con un'immagine non conforme.

Ogni persona che transiterà o si fermerà davanti all’opera potrà dunque vedere sé stesso in una nuova veste.

Perché l’opera non può esistere senza nessuno che ci si ponga in dialogo. E altresì, non può esistere se non ci sono le persone. L’opera è tale se ci si relaziona.


Cosa accomuna Bonaldi – Gruppo Eurocar Italia con MiDi – Motori Digitali? 
Uno dei punti più significativi della mission di Bonaldi - Gruppo Eurocar Italia è quello di esaltare il valore del capitale umano dentro e fuori dall’azienda. Inner Resonance veicola perfettamente questo concetto, ponendo l’individuo al centro dell’opera, attribuendogli valore. Nell’opera commissionata da Bonaldi – Gruppo Eurocar Italia, infatti, l’individuo è l’unico ad avere il potere di attivarla potendosi di fronte ad essa e dialogando con l’installazione.


In che cosa Inner Resonance rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente? 
L’artista giapponese utilizza gli specchi per porsi davanti all’infinito, per ammirarlo e per scoprirlo, un infinito che sembra non avere mai fine, e che per questo ci attrae ma a volte ci incute timore. Noi abbiamo scelto di dialogare con l’elemento dello specchio puntando su un effetto riflesso che invece possa aiutarci a conoscere la nostra complessità nella molteplice pluralità delle nostre immagini riflesse, accettandoci e sentendoci rappresentati. Così come le Infinity Mirror Room di Yayoi Kusama, però, quest’opera è tale se le persone decidono di instaurare una relazione con essa.


Quale messaggio avete voluto trasmettere con questa installazione? 
L’intenzione è riportare al centro dell’attenzione l’individuo. Negli ultimi decenni abbiamo assistito a un'esplosione di innovazioni tecnologiche che hanno trasformato il nostro modo di vivere, lavorare e connetterci. Rimettere al centro del dibattito culturale l’essere umano significa invitare ad una maggiore connessione emotiva e ad una comprensione più profonda dei bisogni e sogni della persona. L’opera ci propone quindi di riflettere sulle complessità dell'essere umano, sul valore delle diversità, delle infinite storie e delle voci che esistono nel mondo. Questo processo viene assecondato attraverso la tecnologia, che qui diventa strumento di scoperta e di riflessione.


Negli ultimi anni la ricerca di MiDi Motori Digitali si concentra sempre di più sul rapporto fra gli individui e le tecnologie, in un’ottica propositiva, considerando la tecnologia come un mezzo di crescita per l’umanità. In questo percorso, la luce, con la sua immediatezza e il suo essere un linguaggio universale è diventata il medium privilegiato per avvicinare il pubblico alle new media art. In Inner Resonance, Midi ha cercato di convogliare questi due aspetti, progettando un’opera in cui la persona è la protagonista assoluta.


Come dialoga la vostra opera con Piazza della Repubblica? 
Grazie alla localizzazione al centro della piazza,  punto di snodo tra Città Bassa e Città Alta, Inner Resonance dialoga con l’intero capoluogo in transito.

Un’imponente opera di luce nel centro della piazza mettere in risalto i volti e le persone di chi la città la abita, la vive, la esplora. I passanti saranno come calamitati da questo grande specchio di luce.

Inner Resonance - Bonaldi Motori - MiDi Motori Digitali - Mediaextreme

Inner Resonance

Chi è costui di fronte a me? Chi sono io e cosa è altro da me? 

Inner Resonance è una installazione luminosa interattiva, un esempio di new media art. Uno specchio di luce e un grande cerchio di led creano un universo luminoso e colorato. 

I visitatori si troveranno di fronte a un’opera da osservare e in cui, al tempo stesso, osservarsi. Grazie alla presenza di una telecamera, infatti, lo spettatore potrà visualizzare il proprio riflesso nello specchio, attivando un dialogo interattivo con l’opera e ascoltando al contempo la propria “risonanza interiore”.

L'installazione ANIMORUM, che significa "delle anime", esplora il tema della metamorfosi attraverso sette sculture che intrecciano profondi messaggi e riflessioni sulla vita, l'identità e le relazioni umane. Ogni opera, con il proprio titolo e forma unica, contribuisce a una narrazione complessiva che evidenzia la centralità della trasformazione e del legame tra le anime. Le opere si propongono di veicolare riflessioni introspettive, riguardanti la complessità delle relazioni umane e le trasformazioni che inevitabilmente affrontiamo nel nostro cammino. L’Installazione Animorum mette in luce la connessione e interconnessione tra gli esseri viventi e il pianeta, la responsabilità del prendersi cura reciprocamente in un atteggiamento di accoglienza e di celebrazione della diversità. Non è solo un'esplorazione della metamorfosi in senso letterale, ma vuole essere un invito a riflettere sull'identità, l'amore, la bellezza e le ferite che ciascuno di noi porta, sottolineando l'importanza della condivisione e della comprensione reciproca in un mondo in continua evoluzione.

• Anima Prima è il femminile, rappresentato come un’anima errante leggiadra in pizzo, è simbolo di creazione e di un nuovo inizio. I fili che partono dal suo costato creano il maschile, trasformando e stravolgendo il punto di vista della narrazione che vede la donna nascere dalla costola dell’uomo; questo filo si intreccia al tronco di un albero, sottolineando l’interconnessione tra gli esseri viventi e il pianeta: la vita connette tutti, una rete che unisce tutte le anime.

• Anima Danzante rappresenta due ballerini che danzano in una coreografia che riflette il sostegno reciproco e la connessione tra le persone. Questa opera invita a riscoprire l'importanza del contatto umano, della pace, compassione e solidarietà tra gli esseri umani; suggerisce la bellezza della reciprocità e delle vere relazioni dopo un periodo di isolamento e in un momento storico di rapporti

spesso solo virtuali; l’essenza viene riscoperta danzando con il proprio corpo, entrando in contatto fisico con la libertà.

• Anima Passionata è distesa, in posa sensuale, incarna l'attrazione e la passione. Rappresenta la contemplazione e il potere dell'amore; la bellezza e il desiderio sono intrinsecamente legati alle trasformazioni interiori che questi sentimenti possono generare.

• Anima Selvaggia, l’essere umano con le corna di animale, simboleggia l'accoglienza della diversità e la bellezza dell'unicità. La sua metamorfosi rappresenta una forma di rispetto e celebrazione dell’essere diversi, e quindi unici, rimarcando l'importanza di abbracciare ciò che può anche apparire differente da noi, ma che, come noi, appartiene al grande disegno della vita.

• Anima Incompresa è costretta a nascondersi per la sua diversità. Quest’opera racconta delle sofferenze di chi sente nell’essere diverso una minaccia, una vergogna.

• Anima Ferita rappresenta un’anima forte, la cui cicatrice è una parte essenziale del suo essere, del suo esistere. Questa rilettura contemporanea invita a riflettere sulla necessità di abbracciare e condividere le proprie ferite anziché nasconderle. La sofferenza, sebbene dolorosa, è parte integrante dell'esperienza umana e della crescita personale. Spesso le ferite rappresentano la parte migliore e più bella di noi.

• Anima Terrestre narra la forza primordiale della natura, la fusione natura-esseri viventi, e rimanda alla responsabilità del prendersi cura della Terra e di tutte le forme di vita che la abitano. Siamo parte di un Tutto connesso e interconnesso, da proteggere, rispettare.
L'installazione Animorum si distingue per l'approccio sostenibile. Si sono utilizzati materiali di recupero in pieno stile Soqquadro. Gli artisti hanno impiegato materiali riciclati, elementi naturali e strutture instabili per dare vita a un senso di movimento e cambiamento. Questi materiali non solo reggono le opere, ma interagiscono con esse, creando un dialogo visivo e concettuale che arricchisce l'esperienza del pubblico.

ANIMORUM

Azienda committente?  
Italtrans S.p.A. + DOMUS ing&arch S.r.l. + COSPE S.r.l.


Location scelta? 
Piazza Dante, a Bergamo.


Come si presenta Magia? 
È un’opera immersiva che integra l’illuminazione degli alberi nella piazza con le proiezioni sulle facciate dei fabbricati e invita il visitatore a diventare a soffermarsi nella piazza per prendere parte allo spettacolo. L’installazione avrà una componente “statica” legata all’illuminazione degli alberi e una componente dinamica legata alla proiezione 3d mapping.

Cosa rappresenta Magia? 
Un invito a immergersi in un mondo magico fatto di luci, che guida i visitatori verso i simboli del Natale e li rende parte integrante della magia del luogo.


Cosa accomuna Italtrans S.p.A. e COSPE S.r.l. a DOMUS ing&arch S.r.l.? 
Siamo legati da anni da un rapporto di collaborazione e amicizia basato su reciproca stima e intesa e abbiamo in comune l’interesse per l’arte contemporanea e per la cura del territorio.


In che cosa Magia rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente? 
L’enorme quantità di lumini impiegati e proiettati crea un’atmosfera avvolgente ed estraniante allo stesso momento, invito alla contemplazione una riflessione introspettiva, come accade in molti lavori dell’artista giapponese.


Quale messaggio vuole trasmettere con questa installazione? 
Vuole donare a Bergamo e ai suoi cittadini uno spazio dall’atmosfera “magica”, in questo ritrovato luogo della Città Bassa.  

L’ispirazione nasce dalla sfida di mixare i simboli classici del Natale con la tecnologia e l’illuminazione. La scoperta di Yayoi Kusama. Infinito Presente ha completato il cerchio.


Come dialoga la vostra opera con Piazza Dante? 
L’installazione è pensata in relazione al luogo, che accoglie i visitatori come in un abbraccio.. Questo permette di creare un angolo di magia nel contesto più ampio di bellezza diffusa del centro di Bergamo.

Magia, in Piazza Dante, è stata concepita per Christmas Design 2023 da StudioDOMUS grazie al contributo di Italtrans Spa e COSPE Srl.

Magia

È un’opera immersiva che integra l’illuminazione degli alberi presenti nella piazza con i lumini proiettati sulle facciate dei fabbricati circostanti, invitando il visitatore ad immergersi nella magia dell’installazione. I simboli del Natale sono richiamati nella proiezione 3d mapping riprodotta a intervalli di tempo regolari sulla facciata dell’ex tribunale, attirando l’attenzione di chi si approssima alla piazza. Un conto alla rovescia scandisce gli istanti che separano dall’inizio della proiezione, invitando il passante a fermarsi per assistere allo spettacolo. Magia è quindi un’installazione con una componente “statica” legata all’illuminazione degli alberi e una componente dinamica legata alla proiezione 3d mapping. Magia, realizzata grazie al contributo di Italtrans Spa e COSPE Srl e concepita da Studio DOMUS, è esposta in Piazza Dante.


Azienda committente? 
Zenucchi Design Code


Location scelta? 
Largo Gianandrea Gavazzeni, Bergamo  


Com’è fatta Christmas Pop? 
È una installazione interattiva. Su una pedana quadrata sopraelevata, sono installate delle “lame” verticali in plexiglass trasparente colorato, che è possibile “attraversare” entrando all'interno nell'installazione. La sommità delle lame sarà dritta e per alcune lame inclinata, richiamando lo skyline delle nostre dolomiti e della città di Bergamo, ma anche il logo dell’evento. I fari posizionati sulla pedana, direzionati verso queste lame, creeranno giochi di luci e colori che richiamano le luminarie di Natale. 


Cosa rappresenta l’opera? 
Christmas Pop vuole trasmettere emozioni con un incredibile gioco di colori e luci, trasmettendo la magia del Natale e le suggestioni ad essa correlate.


Cosa lega la mission di Zenucchi Design Code al designer Massimo Castagna? 
Massimo Castagna è l’art director di Zenucchi Design Code da oltre 20 anni. 


In cosa Christmas Pop rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente? 
L' installazione è assolutamente astratta, coniuga allucinazioni, utopie, illusione e realtà. È possibile entrarci e attraversarla divenendo parte dell'opera stessa, generando ombre colorate in movimento, percettibili sia da chi ammira l’installazione dall’esterno sia da chi la attraversa. Diversi punti di vista, per un paesaggio fantastico, un mondo “pop” astratto e colorato. 


Quale messaggio vogliono trasmettere azienda e designer? 
Le emozioni, le luci e la magia del Natale attraverso un’interpretazione astratta dell’albero di Natale: non viene rappresentato quindi l’albero come nell’immaginario comune, ma con forme geometriche semplici che, grazie alla loro essenzialità e al gioco di luci, suscitano nei visitatori le emozioni che si provano di fronte alle luminarie.


Come è nata l'ispirazione? 
I simboli del Natale, l’albero. I colori, le luci, le sfere, le forme verticali, sono tutte libere interpretazioni dell'icona del Natale; un albero natalizio non convenzionale. 


Come dialoga Christmas Pop con Largo Gianmaria Gavazzeni? 
L’opera è collocata vicino al Teatro Donizetti, in una posizione per cui le persone possono girarci intorno ed entrare nell’installazione.

Christmas Pop è un’installazione interattiva concepita per essere un albero natalizio non convenzionale, che proietta luci e giochi di ombre colorate sulle architetture del Teatro Donizetti e del “Sentierone”, nel cuore di Bergamo Bassa.

Christmas Pop

Christmas Pop è un’installazione interattiva concepita per essere un albero natalizio non convenzionale, che proietta luci e giochi di ombre colorate sulle architetture del Teatro Donizetti e del “Sentierone”, nel cuore di Bergamo Bassa. Nessun riferimento esplicito alle forme di un vero albero: parliamo di un’opera costituita di architetture in plexiglass trasparente che richiamano le vette delle Dolomiti, ma anche lo skyline di Bergamo Alta; l’opera si anima di sera grazie ai giochi di luce. I fari direzionati verso le “lame” trasparenti, uniti alle ombre delle persone che attraverseranno l’opera, creeranno nell’intorno insolite acrobazie luminose.  

Christmas Pop, disegnata per Christmas Design 2023 da Massimo Castagna e realizzata grazie al contributo di Zenucchi Design Code, sarà esposta in largo Gianandrea Gavazzeni a Bergamo, vicino al Teatro Donizetti.

L’opera è composta da una serie di elementi luminosi accostati l’uno all’altro e ordinati in una forma circolare. Il gruppo di luci inizia ad illuminarsi con un colore uniforme. Un solo elemento è bianco e “ruota” lungo il cerchio lasciando dietro di sé un nuovo colore che, poco a poco, sostituendosi al precedente, riempie l’intero cerchio. Una volta percorso tutto il giro, il procedimento prosegue trasformando il gruppo in un nuovo colore e così via, lentamente ma a ciclo continuo. I colori stessi si riproducono sugli alberi circostanti suggerendo simbolicamente il rinnovamento della natura.

L’installazione, infatti, si specchia nella fontana e il riflesso di luci viene amplificato nell’anfiteatro arboreo circostante. La forma circolare è un elemento simbolico di trasformazione e rinnovamento, dato che in un cerchio ogni punto è contemporaneamente un inizio e una fine. Tutto torna e ciclicamente si rinnova ad ogni istante. L’installazione è in evoluzione dinamica e questo accentua l’idea di metamorfosi. Una continua evoluzione dei colori come ciclo continuo di rinnovamento. 

FLOWING COLORS

Designer? Chiara Arrigoni e Martina Nodari, studentesse di LABA, Libera Accademia Belle Arti di Brescia, coordinate dai docenti Andrea Paroli e Nazareno Cerquaglia. 


Azienda committente? A2A con RPP. Run Power Plants Srl “La nuova Luce” (Gruppo Nocivelli).


Location scelta? Largo Bortolo Belotti, Bergamo.


Come si presenta Horama? L’installazione si compone di sette triangoli di diverse altezze, disposti in cerchio attorno a una colonna luminosa, su una pedana a raggiera. Tale pedana, del diametro di 6 metri, è stata pensata con un rivestimento a specchio per richiamare i fiumi e i laghi del territorio e allo stesso tempo per alludere ad una totale fusione con la natura. Le luci LED RGB creano armonie e animazioni di colori, in giallo, verde e azzurro. 

Per creare un’atmosfera ancora più coinvolgente è stata composta una colonna sonora dalla violoncellista e compositrice Daniela Savoldi.


Cosa rappresenta Horama? È un omaggio ai paesaggi naturali del comprensorio di Bergamo Brescia 2023. Capitale Italiana della Cultura. 


Cosa lega la mission di A2A e Gruppo Nocivelli alle due designer scelte? Entrambe le aziende si occupano di energia e di progettazione e realizzazione di sistemi di illuminazione a LED ed hanno sempre dimostrato un’attenzione all’ambiente e alla valorizzazione del territorio e del suo patrimonio artistico. È perciò risultato naturale il supporto alla realizzazione del progetto di un’installazione luminosa ideato da due studentesse dell’Accademia LABA. 


In cosa e come Horama rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente? 

Specchi e luci sono due elementi fondamentali sia in Horama sia nei lavori esposti presso la mostra Yayoi Kusama. Infinito Presente. Inoltre, entrambe le opere omaggiano e ricordano il territorio delle rispettive artiste.  


Per tutti noi è importante sensibilizzare i cittadini alla bellezza e alla cura del nostro territorio.


Nell’ambito delle iniziative per Bergamo Brescia 2023. Capitale della Cultura Italiana, gli studenti del corso di illuminotecnica dell’Accademia LABA di Brescia sono stati invitati dai loro docenti a progettare in piccoli gruppi un’installazione per Light is Life. Festa delle Luci A2A. Horama, ispirato alla bellezza del territorio, è stato il progetto scelto dalla direzione artistica del festival e ora è stato scelto per chiudere le celebrazioni per la Capitale della Cultura anche a Bergamo, proprio con la partecipazione a Christmas Design.


Come dialoga la vostra opera con la location, Largo Belotti?

L’opera spiccherà sulla prospettiva del “Sentierone”, caratterizzando il sagrato della chiesa dei Santi Bartolomeo e Stefano e dialogando idealmente con la sua facciata ottocentesca. Si crea così un positivo legame tra l’ambiente urbano e la natura del territorio, come invito a migliorare la qualità della vita dei cittadini e a promuovere scelte sempre più sostenibili. 

Horama

Il termine greco horama, infatti, fa riferimento alla veduta di un territorio, a una vista piacevole, a un’esperienza immersiva legata al paesaggio e alla sua bellezza (da esso deriva la nostra parola panorama). 

Horama si compone di sette triangoli di diverse altezze intorno ad una base rotonda. I singoli elementi includono parti realizzate in lamiera forata, disposte in modo da ricreare un effetto di luce particolare. L’installazione è interamente in metallo e i visitatori sono invitati a osservarla da vicino, per creare ciascuno un suo rapporto intimistico con l’opera, la cui pedana a raggiera è inscritta in un cerchio di 6 metri di diametro. A ogni passo, i visitatori potranno vedere riflessa la propria immagine sul percorso grazie un rivestimento specchiante che richiama gli specchi d’acqua, i fiumi e i laghi, inneggiando alla fusione con la natura (ma è anche omaggio all’opera di Yayoi Kusama. Infinito Presente). 

L’illuminazione è un fattore fondamentale per Horama, di forte impatto anche nelle ore serali. Fulcro dell’installazione è uno spot centrale di luci RGB, animate da un’intensità dinamica e da variazioni di colore, tra il giallo tra il giallo, il verde e l’azzurro, toni dei paesaggi naturali bergamaschi e bresciani. Le strisce led applicate ai profili dell’opera aggiungono un gioco di luci amplificato dalla base riflettente. Così Horama è natura, vita, terra e acqua, ma soprattutto luce. A enfatizzare ulteriormente l’atmosfera, la colonna sonora composta dalla violoncellista Daniela Savoldi.


Horama, concepita dalle studentesse dell’Accademia  LABA, Chiara Arrigoni e Martina Nodari, sotto la guida dei professori Andrea Paroli e Nazareno Cerquaglia è stata realizzata grazie al contributo di A2A e RPP S.r.l. (Gruppo Nocivelli) ed esposta in Largo Bartolo Belotti.

L’INSTALLAZIONE LUMINOSA HORAMA È UN OMAGGIO ALLA BELLEZZA DEL PAESAGGIO NATURALE, AI MONTI, ALLE COLLINE E AI LAGHI DEL COMPRENSORIO DI BERGAMO BRESCIA 2023 CAPITALE ITALIANA DELLA CULTURA.

Gli alberi della piazza sono illuminati da numerose luci e la facciata dell’ex Tribunale si trasforma in un enorme schermo, grazie ad una proiezione. La trasformazione della piazza avviene attraverso l'uso strategico della luce nelle sue diverse forme. Queste luci trasformano un elemento naturale e quotidiano in qualcosa di straordinario. Durante il giorno, gli alberi sono parte di un normale spazio urbano, ma di notte, le luci le trasformano in una cornice magica. La piazza diventa un luogo di attrazione per l'energia che emana. La trasformazione è anche funzionale, poiché le luci migliorano l'accessibilità e la sicurezza dello spazio, rendendolo invitante per i visitatori durante le ore serali. Il riflesso delle luci sui vari piani della piazza, come i marciapiedi e le superfici circostanti, aggiunge ulteriore profondità e dimensione allo spazio.

La sensazione di metamorfosi si avverte a diversi livelli nel passaggio dal giorno alla sera: si accende la musica, la facciata dell’imponente palazzo si trasforma in un enorme schermo, gli alberi illuminano e tutta la piazza cambia volto. Questa transizione può evocare la crescita e il cambiamento, trasformando la piazza e i suoi elementi in simboli di vitalità e continua evoluzione. Le luci pulsanti o scintillanti suggeriscono un respiro vitale, un'energia che anima la piazza e trasforma la percezione statica del luogo in un'esperienza vivente. La metamorfosi è anche emotiva: gli osservatori possono sentirsi trasportati in un ambiente fantastico, dove la realtà quotidiana è sospesa e lo spazio urbano diventa un teatro di sogni e immaginazione. L'installazione luminosa in questa piazza non solo trasforma l'aspetto fisico dello spazio, ma induce anche una metamorfosi nella percezione e nell'esperienza dei visitatori.

Luci Danzanti

Il progetto si ispira alla figura del dente di leone, rappresentandone la metamorfosi naturale – dalla trasformazione in soffione alla leggerezza dei semi trasportati dal vento – come allegoria della metamorfosi dei sogni. I sogni, leggeri e molteplici come i semi del dente di leone, rappresentano le aspirazioni che si hanno da bambini e che, attraverso il tempo e l’esperienza, si trasformano nel sogno da adulto.

L’infruttescenza a sfera del dente di leone, conosciuta come soffione, è familiare e amata. La sua metamorfosi inizia con l’apertura del soffione, rappresentato da un’opera dal generoso diametro, con una raggiera di tubi d’alluminio; ogni seme è composto da un "fiore luminoso". Le luci gialle, calde e intermittenti donano un aspetto radiante e avvolgente; variando tra bianco freddo e caldo con effetti di flash, simboleggiano la transizione e il movimento di apertura e chiusura del soffione, evocando la delicatezza dei semi piumosi pronti a disperdersi nel vento. Una silhouette di un adulto intento ad annaffiare il dente di leone e una di un bambino dal lato del soffione rappresentano la metamorfosi dei sogni dell’essere umano: il bambino che sogna con spensieratezza e l'adulto che coltiva i suoi sogni. L’intera composizione interessa un tratto stradale di circa 130 metri lungo viale Vittorio Emanuele II. La transizione cromatica delle luci dal giallo caldo del fiore al bianco freddo del soffione rappresenta un viaggio visivo e simbolico e racconta il viaggio dei sogni che evolvono con l’esperienza.

Commissionata da Onlight PF al designer Nicola Colombo per Christmas Design 2024, l’opera è esposta lungo Viale Vittorio Veneto in un tratto di 130 metri tra l’incrocio con Via Zelasco Giovanni e Rodolfo e l'incrocio con Via Brigata Lupi/Via Carlo Botta.

INTO THE WIND. VOLI E METAMORFOSI DEL DENTE DI LEONE

INTO THE WIND. Voli e metamorfosi del dente di leone

L’opera offre un'esperienza unica e coinvolgente, un viaggio immersivo nella Fabbrica di Babbo Natale, coniugando l'arte contemporanea con la magia delle Feste. Il design di questo luogo virtuale, moderno e avanguardistico, ma allo stesso tempo familiare e accogliente, rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente, tema di Christmas Design 2023. Le infinite ripetizioni di pois e i vibranti giochi di colore, tipici dell'arte di Kusama, si fondono con l'atmosfera natalizia, creando un contrasto affascinante tra tradizione e modernità. Guardando fuori dalla fabbrica, i visitatori possono ammirare la casa di Babbo Natale, anch'essa reinterpretata attraverso l'estetica di Kusama. 

The Polar Gate è la realizzazione di un sogno universale. Chi di noi, da bambino, non ha desiderato visitare il luogo dove Babbo Natale prepara i regali, dove la magia del Natale prende vita? Grazie al progetto di ADOK, questo sogno diventa una realtà tangibile, permettendo ai visitatori di immergersi completamente in un mondo di meraviglia e fantasia.

Come questa installazione rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente? 

Attraverso la profonda interazione tra tecnologia e arte. Utilizzando un visore come "gate", si invita lo spettatore a entrare in un universo dove il confine tra il reale e il virtuale diventa sfumato. Questo approccio riflette il concetto di "Infinito Presente" di Kusama, un'idea che esplora la continua interazione tra l'individuo e l'universo circostante. Nell’installazione, il viaggio attraverso la fabbrica di Babbo Natale e la sua casa in Lapponia rappresenta un'esperienza senza fine e senza confini, evocando le sensazioni di infinito e interconnessione che sono al centro dell'opera di Kusama. In questo modo, si rende omaggio all'artista visivamente, ma anche concettualmente, in un continuum senza fine tra l'io e l'altro.

The Polar Gate dimostra come la tecnologia possa farci vivere i nostri sogni più profondi e le nostre fantasie infantili. La realtà virtuale trasporta le persone in spazi e mondi completamente nuovi, offrendo un'esperienza che supera la realtà quotidiana. Il messaggio centrale è la fusione tra passato e futuro, sottolineando l'importanza dell'arte e della creatività nel plasmare le nostre esperienze.

Da tempo, ADOK coltiva il desiderio di portare qualcosa di unico e di speciale nel cuore della città durante il periodo natalizio. Un auspicio che ha finalmente trovato il giusto spazio in Christmas Design. L'ispirazione è nata dalla passione per il Natale e dalla curiosità nell’esplorare nuove frontiere nell'ambito delle esperienze immersive. I tool di AI hanno aiutato a ottimizzare e perfezionare questa visione. 


Come dialoga The Polar Gate con Piazzetta Santo Spirito?  

In uno spazio circoscritto come la Piazzetta Santo Spirito, The Polar Gate sfida le nostre percezioni sensoriali. Grazie all’esperienza immersiva, le dimensioni fisiche del luogo si trasformano in un ponte, un gate verso un universo infinito, trasportando gli spettatori dentro una fabbrica di Babbo Natale moderna e “pop”. Questo contrasto crea una sinergia unica: il passato e il futuro si fondono insieme in un dialogo visivo e sensoriale. La tradizione del luogo e l'innovazione dell’installazione si completano a vicenda, offrendo ai visitatori un'esperienza che è simultaneamente familiare e rivoluzionaria.

The Polar Gate

Attraverso l'uso di visori di realtà virtuale, i partecipanti vengono catapultati in un ambiente straordinario: una moderna fabbrica di Babbo Natale nei pressi del Circolo Polare Artico. L'intera esperienza è progettata per essere più di una semplice visualizzazione: il visore funge da portale, un "gate" che trasporta lo spettatore all'interno di questa realtà alternativa.

Riccardo Blumer

Nel periodo di Natale, e fino ai giorni dell’anno nuovo, Piazza Vecchia, simbolo di Bergamo, è illuminata da una luce particolare. In questi giorni dell’anno, l’estensione dell’ombra proiettata dai palazzi sulla piazza è massima e il soleggiamento, invece, è minimo, in concomitanza con il solstizio d’inverno (21 dicembre). Grazie al movimento quotidiano del sole intorno alla terra, l’installazione Extasis Solis, realizzata con delle panche Ghisa, disegnate da Riccardo Blumer con Matteo Borghi e Adrian Freire e prodotte da Alias nel 2008, segnerà dieci posizioni tra sole e ombra dalle 11:45 alle 14:00 nei giorni più prossimi al solstizio d’inverno, ogni 15 minuti. Le panche, posizionate in sequenza secondo la progressione oraria, segneranno l’angolo soleggiato proiettato sulla piazza dalla differenza di altezza di Palazzo della Ragione e i corpi est della piazza stessa. Le 10 panche, che nei giorni di sole saranno alternativamente esposte alla luce, diventano una grande meridiana che segna il soleggiamento più estremo della piazza durante l’anno. Lo spettacolo potrà essere goduto sia sedendosi, sia da una sorta di platea a sud della fontana.

EXTASIS SOLIS

Voi, luce - Accademia Carrara, Alfaparf Milano

Voi, luce

L’albero si illumina con il contatto umano: raccoglie la luce di ogni persona che si avvicina e la ritrasmette. La soluzione di design permette al cittadino di interagire attivamente con l’opera; la comunità diventa essenziale per il suo funzionamento.

L’installazione è uno scheletro in ferro e acciaio, composto da quattro forme triangolari che si intrecciano e sostengono a vicenda, creando una scultura che ricorda la forma di un albero di Natale. Il profilo è percorso da 60m lineari di luce stripled che si animano di colori.

Seppure imponente (è alta quasi 5 m), la struttura risulta leggera, in perfetta armonia con lo spazio in cui è inserita: non blocca la vista della facciata dell’Accademia, ma instaura con essa un rapporto di vicinanza, diventa quasi la proiezione(o la rifrazione) di “Tutta in voi la luce mia”.

Diventa un prisma che bagnato dalla luce (del pubblico) crea giochi luminosi nello spazio.

L’installazione si ispira al titolo della mostra che chiude la stagione di Accademia Carrara, “Tutta in voi la luce mia”.

VOI, LUCE

Piazza Mercato delle Scarpe, Città Alta


L’opera è un’installazione artistica a pavimento studiata per integrarsi e fondersi nel luogo che la ospiterà: Piazza Mercato delle Scarpe. La finalità è quella di aggiungere un lampo di sorpresa e un’ esperienza interattiva alla già incantata atmosfera natalizia che si respirerà per le vie di Città Alta. Il dipinto ripropone una visione onirica e prospetticamente immersiva di una fabbrica di dolci lievitati, con il panettone come indiscusso protagonista. Questa magistrale realizzazione di un dipinto anamorfico crea un’illusione ottica che catapulta il visitatore sulla soglia della fabbrica offrendo l’opportunità di realizzare una foto che integra il visitatore nell’opera stessa.

Il concept dell'opera ruota attorno all'idea di celebrare la tradizione culinaria e l'atmosfera natalizia di Bergamo attraverso un dipinto anamorfico. L'opera raffigura una visione onirica di una fabbrica di dolci lievitati, con particolare enfasi sul panettone come protagonista. Gli ingredienti naturali, come burro, farina, latte e uova, sono rappresentati in modo dettagliato, sottolineando la genuinità e l'importanza dei prodotti locali.

L'aspetto chiave del concept è l'interattività. Gli spettatori sono incoraggiati a entrare fisicamente nell'opera per sperimentare l'effetto anamorfico, che trasforma la scena in una festa natalizia tridimensionale. Questa partecipazione attiva permette al pubblico di vivere un'esperienza artistica e sensoriale unica, connettendosi con la tradizione culinaria bergamasca e immergendosi completamente nell'atmosfera del Natale.

L'opera mira a trasmettere la bellezza, la magia e l'autenticità dei prodotti locali e della cultura culinaria, combinando l'arte visiva con la tradizione natalizia. Rappresenta una fusione di realtà e immaginazione, dove l'osservazione si trasforma in partecipazione, creando un'esperienza straordinaria per i visitatori.


Cosa lega la mission di Italo Vezzoli al Cuboliquido?

L'artista e l'azienda hanno trovato una missione condivisa nell'arte pittorica e nell'artigianalità gastronomica. L'azienda, con la sua tradizione artigianale e l'uso di ingredienti naturali, ha ispirato l'artista a creare un'opera visiva che celebra l'autenticità dei suoi prodotti. L'arte pittorica, attraverso un dipinto anamorfico, ha valorizzato sia i prodotti gastronomici che l'elaborato artistico. L'opera coinvolge il pubblico, unendo l'osservazione all'esperienza sensoriale, creando una connessione profonda tra tradizione e creatività artistica.

In sisntesi, l'artista si è trovato con la missione dell'azienda in un momento di ispirazione condivisa. Questa stessa passione per la tradizione culinaria ha colpito l'artista, che ha intravisto l'opportunità di unire il mondo dell'arte pittorica con quello dell'artigianato dolciario. Cercando di amalgamare al meglio due aspetti della nostra cultura che spesso si incontrano si incontrano e si confondo tra loro, Arte e Artigianato.


In cosa e come la vostra installazione rende omaggio a Yayoi Kusama. Infinito Presente? 


Ci sono diversi aspetti che legano le due forme d'arte, entrambe utilizzano effetti ottici e prospettive, che sono elementi chiave in entrambi i contesti. Mentre Kusama è nota per le sue installazioni immersive che sfruttano specchi e riflessi per creare un senso di infinito e di immersione, l'arte anamorfica sfrutta prospettive particolari per ingannare l'occhio e creare un'illusione di tridimensionalità.

Quattro aspetti indubbiamente legano questi due mondi apparentemente molto diversi tra loro.

1. Illusione e realtà: Sia l'arte di Yayoi Kusama che l'arte anamorfica si basano sull'idea di creare illusioni visive. Nelle opere di Kusama, gli specchi e le ripetizioni creano l'illusione di spazi infiniti, mentre nell'arte anamorfica, l'illusione di tridimensionalità è creata attraverso la prospettiva.

2. Coinvolgimento del pubblico: Entrambe le forme d'arte coinvolgono attivamente il pubblico. Nelle installazioni di Kusama, i visitatori spesso diventano parte dell'opera stessa attraverso i riflessi, mentre nell'arte anamorfica, i visitatori sono invitati a interagire fisicamente con l'opera per svelare l'effetto anamorfico.

3. Esplorazione della percezione: Sia Kusama che l'arte anamorfica esplorano la percezione visiva e la realtà soggettiva. Le opere di Kusama sfidano la percezione della dimensione e della profondità, mentre l'arte anamorfica sfida la percezione della forma e della proporzione.

4. Effetti psicologici ed emozionali: Entrambi i generi artistici sono in grado di suscitare reazioni emotive e psicologiche nei visitatori. Le opere di Kusama spesso evocano una sensazione di infinito e di auto-riflessione, mentre l'arte anamorfica può sorprendere e stupire il pubblico, spingendolo a esplorare ulteriormente l'opera.

In generale, l'effetto ottico e la prospettiva sono strumenti potenti che possono essere utilizzati in molteplici modi per coinvolgere il pubblico e creare esperienze artistiche uniche. Entrambi i mondi artistici dimostrano come la percezione visiva sia una parte fondamentale dell'esperienza artistica e come gli effetti ottici e la prospettiva possano essere sfruttati per creare connessioni profonde tra l'arte e gli spettatori.


Quale messaggio Italo Vezzoli e Cuboliquido vogliono dare con Il Laboratorio Segreto?